Lindy Lee: Lune dans une goutte de rosée | Bracelet Zen

Dans le processus de création, Lee invite le hasard dans son travail, réfléchissant sur l'immensité du cosmos et l'interconnexion entre les êtres – qualités qui sont explorées dans son enquête majeure au Museum of Contemporary Art Australia (MCA), Lune dans une goutte de rosée (2 octobre 2020-28 février 2021). S'inspirant d'une phrase du philosophe zen du XIIIe siècle, Eihei Dōgen, Lee évoque la combinaison de «l'infini dans le fini» – de la changeabilité de la lune à travers ses cycles infinis et de la finitude de la goutte de rosée.

Vue de l'exposition: Lindy Lee: Lune dans une goutte de rosée, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). Avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Museum of Contemporary Art Australia, Sydney et © l'artiste. Photo: Anna Kucera.

L'exposition retrace la trajectoire de l'artiste, en commençant par ses premiers questionnements sur son identité d'artiste sino-australienne. Quittant Londres pour étudier au Chelsea College of Arts pendant deux ans, Lee est revenue après avoir manqué de fonds – ce qu'elle décrit comme une bénédiction déguisée en ce qui concerne son développement personnel en tant qu'artiste. À son retour, elle a commencé une série d'images, s'appropriant des portraits de vieux maîtres du canon européen, tels que Titien, Rembrandt, Raphael et Artemisia Gentileschi, les passant encore et encore à travers une photocopieuse, permettant à des couches de carbone de s'accumuler et déformer les images.

En utilisant le canon occidental de cette manière, Lee a réalisé qu'elle déclarait en un sens: «J'appartiens à la tradition occidentale». Mais plus tard réalisé que «si vous devez déclarer que vous appartenez à ceci ou cela, alors vous n'appartenez pas». En appartenance, on ne remet pas en question, explique Lee. «C'est juste une partie intégrante du tissu de ce que vous êtes.

Lindy Lee, Dix mondes, dix directions (2002) (détail). Museum of Contemporary Art, offert dans le cadre du programme de dons culturels du gouvernement australien par Michael et Jill Hawker, 2016.

Attirée à se connecter et à interroger son ascendance chinoise, Lee est arrivée au bouddhisme zen, abordant des méthodes traditionnelles telles que la peinture à l'encre jetée dans sa propre recherche d'authenticité. L'une de ces premières installations, refaite pour l'exposition au MCA, est Non en haut, non en bas, je suis les dix mille choses (1995/2020), qui comprend quelque 1 200 feuilles de papier A4 aux couleurs vives représentant des éclaboussures d'encre ainsi que des images imprimées de l'histoire de l'art et de son album de famille. L'exposition comprend également une série de rouleaux iconiques chantés, les constellations de perforations brûlées sur leurs surfaces rappelant la multiplicité de l'existence et du feu comme élément essentiel de l'univers.

Dans cette conversation, Lindy Lee parle de la trajectoire de sa pratique avec Elizabeth Ann Macgregor, directrice du MCA et commissaire de l'exposition.

Lindy Lee, Non en haut, non en bas, je suis les dix mille choses (1995/2020). Photocopie, peinture polymère synthétique, encre sur papier Stonehenge, dimensions variables. Vue de l'exposition: Lindy Lee: Lune dans une goutte de rosée, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). Avec l'aimable autorisation de l'artiste, Sutton Gallery, Melbourne et Museum of Contemporary Art Australia, Sydney et © l'artiste. Photo: Anna Kucera.

EAMLindy, l'une des expériences les plus profondes que j'ai vécues en tant que conservateur a été de regarder une discussion entre vous et Gulumbu Yunupingu lors de la réouverture de l'exposition au Musée d'art contemporain après que nous ayons élargiTemps de marquage, 29 mars-3 juin 2012).

Ce fut une rencontre extraordinaire, au cours de laquelle ma collègue Rachel Kent a apporté votre travail, avec ses vues sur le bouddhisme et le cosmos, avec une artiste senior et une aînée autochtone et sa vision de l'univers. Pouvez-vous parler de ce que vous avez ressenti à propos de cette incroyable rencontre?

LLPremièrement, je ne pense pas pouvoir remercier assez Rachel Kent pour avoir réuni Miss Yunupingu et moi dans cette même exposition. C'était inattendu et c'était une idée incroyable de la part de Rachel. Quand j'ai vu le travail de Miss Yunupingu Temps de marquage, quelque chose de beau a déchiré mon âme. Apparemment, elle a eu la même expérience de mon travail.

Vue de l'exposition: Lindy Lee: Temps de marquage, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (29 mars-3 juin 2012). Avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Museum of Contemporary Art Australia, © les artistes. Photo: Alex Davies.

Je me souviens que Mlle Yunupingu faisait un discours au sol et j'étais arrivé pour regarder, pour être simplement en arrière-plan, mais je pense que vous, Liz Ann, avez décidé de m'appeler au front, et nous avons tous les deux commencé à parler du travail de l'autre.

Nous nous sommes mis tous les deux à pleurer parce que pour Mlle Yunupingu, mes peintures brûlées, mes dessins sur le feu, rappelaient les rêves de son père, de son peuple, car dans son temps de rêve, son peuple est né du feu. Les étincelles dans les dessins eux-mêmes étaient comme la naissance de son peuple. Pour moi, son travail était le filet d'Indra, cet immense cosmos qu'elle présentait. Nous étions donc là, tous les deux essayant de ne pas pleurer devant le public.

Vue de l'exposition: Lindy Lee, Marking Time, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (29 mars-3 juin 2012). Avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Museum of Contemporary Art Australia, © les artistes. Photo: Alex Davies.

EAMLe public pleurait aussi, d'ailleurs.

LLCe fut un moment vraiment profond. J'avais toujours eu une idée ou pensé qu'il y avait quelque chose de si résonnant entre la spiritualité australienne indigène et la spiritualité chinoise ancienne. Et je pense que cela s'est manifesté dans cette émission; pas seulement visuellement, mais spirituellement.

Les esprits de ces deux traditions se sont vraiment réunis et ont résonné de manière authentique. Si authentique que cela a fait pleurer les artistes, et cela a fait pleurer le public. Ce fut probablement l'un des moments les plus profonds de ma vie.

Lindy Lee, Divinités au clair de lune (2019-2020). Vue de l'exposition: Lindy Lee: Lune dans une goutte de rosée, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). Avec l'aimable autorisation de l'artiste, Sutton Gallery, Melbourne et Museum of Contemporary Art Australia, Sydney et © l'artiste. Photo: Anna Kucera.

EAMVous avez l'habitude de créer de merveilleux titres. Pouvez-vous nous parler du titre que vous avez donné à votre fabuleuse exposition au musée d'art de l'Université du Queensland, L'obscurité de la liberté absolue (20 septembre 2014-22 février 2015)? Comment cela se rapporte-t-il à l'authenticité?

LLEh bien, je pense que le combat de ma vie et probablement de la vie de tout le monde, est de trouver ce qui est authentique; Qu'est-ce qui est vrai. Ironiquement, mes premiers travaux de photocopie concernaient l'authenticité. «L'obscurité de la liberté absolue» est une phrase que j'ai trouvée dans les cahiers d'Ad Reinhardt. Ad Reinhardt a été l'un des artistes les plus importants de ma vie et j'adore ses cahiers. Ses cahiers étaient remplis de références directes au taoïsme et au bouddhisme.

Je pense que le combat de ma vie et probablement de la vie de tout le monde, est de trouver ce qui est authentique; Qu'est-ce qui est vrai.

L'obscurité de la liberté absolue est l'obscurité de l'ignorance. Ce genre de non-savoir n'est pas une question d'ignorance, mais la capacité de laisser aller la préconception, et donc de rencontrer exactement qui vous êtes en ce moment. Ne pas savoir, c'est abandonner les constructions sur soi. Et quand vous abandonnez ces constructions, vous êtes prêt à rencontrer ce moment que vous vivez réellement. Et c'est authentique.

Lindy Lee, Bouddhas et matriarches (2020). Vue de l'exposition: Lindy Lee: Lune dans une goutte de rosée, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). Avec l'aimable autorisation de l'artiste, Sullivan + Strumpf, Sydney et Singapour et le Museum of Contemporary Art Australia, Sydney avec l'aide de l'UAP et © l'artiste, photographie: Anna Kucera.

EAMJe me souviens que l'une des choses les plus frappantes dans votre travail était cette utilisation de couleurs vives et uniques, qui semblaient liées à une sorte de symbolisme, mais ce n'était pas quelque chose que vous mettiez vraiment au premier plan à l'époque. Et vous avez continué cela.

L'une des nouvelles œuvres du spectacle, Sous l'arbre sans ombre (2020), utilise ce bleu étonnant qui se détache de la toile. Pourriez-vous parler de l'inspiration de la manière dont vous utilisez la couleur?

LLJ'avais l'habitude d'être gêné de dire des choses comme si tout était intuitif, mais je ne le ressens plus, car l'art peut parfois être trop intellectuel. Les couleurs sont en fait les couleurs de mon autobiographie.

Il semble que tous les cinq ans de ma vie, il y a une forte attirance pour quelque chose, un matériau quelconque, et la couleur est un matériau. Au début, c'était noir, et pour une raison quelconque, je devais juste utiliser du noir. Tout mon travail était juste noir et très monochromatique, très monochrome.

Lindy Lee, Sous l'arbre sans ombre (2020) (détail). Peinture polymère synthétique, cire d'abeille, huile sur Alucabond. Vue de l'exposition: Lindy Lee: Lune dans une goutte de rosée, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). Avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Museum of Contemporary Art Australia. © l'artiste. Photo: Anna Kučera.

Lorsque vous utilisez un matériau de toute sorte, comme une couleur, il commence à vous révéler sa signification. J'aime ce que Maurice Merleau-Ponty a écrit une fois, que nous comprenons la couleur à travers notre rapport au monde et notre association, alors quand nous voyons la couleur rouge, nous voyons aussi la couleur d'un coucher de soleil, du sang, ou cette robe rouge votre la mère aurait pu porter.

Rien qu'en vertu de l'existence et de la perception, les couleurs s'alignent sur le sens, et je devais le découvrir avant même de lire Merleau-Ponty. Il y a eu une séquence de couleurs dans mon travail.

De gauche à droite: Lindy Lee, ouvert comme le ciel (2020). bronze poli miroir; Sous l'arbre sans ombre (2020). Peinture polymère synthétique, cire d'abeille, huile sur Alucabond. Vue de l'exposition: Lindy Lee: Lune dans une rosée Drop, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). Avec l'aimable autorisation de l'artiste, Sullivan + Strumpf, Sydney et Singapour, Sutton Gallery, Melbourne et Museum of Contemporary Art Australia, Sydney et © l'artiste. Photo: Anna Kucera.

Il y avait du noir, que je comprends maintenant comme la couleur du deuil. Il y a un énorme sentiment de chagrin dans ma vie, mais le noir est aussi la couleur du mystère. Quelques années plus tard, c'était la couleur rouge, et ce devait être un rouge spécifique. Chaque couleur est très spécifique. Et ce rouge concerne les liens du sang. Il s'agit de la vitalité de l'être. Il s'agit de la corporéité; nos corps. Je dis cela si simplement maintenant, mais ces choses devaient m'être révélées pendant que je travaillais avec elles.

La couleur suivante était le bleu – ce bleu électrique dont vous parlez – et c'est la couleur de l'esprit; la chose profonde et mystérieuse qui nous traverse. Je ne l'appelle pas Dieu ou quelque chose comme ça, mais c'est juste quelque chose de palpable que nous partageons.

Ensuite, il y avait le violet, qui est en fait la combinaison du bleu et du rouge. À ce moment-là, je traversais beaucoup de difficultés personnelles. La couleur pourpre est un mélange de sang; de vie et d'esprit.

Vue de l'exposition: Lindy Lee: Lune dans une goutte de rosée, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). Avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Museum of Contemporary Art Australia, Sydney et © l'artiste. Photo: Anna Kucera.

Puis l'orange est apparue. Il faut comprendre, c'est une contrainte. Je penserais, je déteste l'orange. C'est trop criard. Qui utilise l'orange? Mais j'étais obligé de le faire. Parfois, les couleurs signalaient quelque chose qui était sur le point de se produire – une sorte de présentation.

Nous vivons consciemment dans notre corps, mais nous faisons en fait partie d'un plus grand corps – le corps du monde.

C'était à peu près à l'époque où j'ai commencé à m'intéresser au bouddhisme. Donc l'orange est venu avant le Zen, et puis j'ai commencé à réaliser que l'orange est une couleur bouddhiste, et il s'agit de l'or dans la vie, même dans la douleur.

La dernière couleur était le vert, et c'est la couleur la plus poignante pour moi. À un moment donné, je marchais dans Chinatown et j'ai vu un bracelet en jade vert, et je le voulais vraiment. Ce n'était pas simplement un désir fantaisiste de l'avoir; c'était une chose d'âme.

Lindy Lee, La tendresse de la pluie (2011-2012). Papier. Musée d'art contemporain, offert par l'artiste dans le cadre du programme de dons culturels du gouvernement australien, 2013. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Musée d'art contemporain, © l'artiste. Photo: Alex Davies.

Bref, je l'ai acheté. C'était terriblement cher; Je ne pouvais pas me le permettre. Dès que je l'ai mis, il me disait: «Allez comprendre». Cette couleur verte est la couleur de l'océan; de la naissance et de la mort. J'ai eu 20 ans de ce genre de réponses intuitives, mais je ne savais pas pourquoi celle-ci m'est venue.

Environ une semaine plus tard, j'ai reçu un appel téléphonique de mon frère, et c'était avec la nouvelle incroyablement déchirante que mon neveu avait un cancer. J'ai pris l'avion pour Brisbane immédiatement, où se trouvait ma famille. Avant de partir et de retourner à l'aéroport pour rentrer chez moi, Ben m'a pris par la main et il m'a dit: «Viens dans ma chambre, tante Lindy, j'ai quelque chose à te montrer». C'était un jeune homme à la fin de l'adolescence, peut-être 20 ans à l'époque, et personne n'avait été invité dans sa chambre depuis une dizaine d'années.

Sa chambre était entièrement décorée de vert, et c'était ce vert spécifique. Je n'ai rien dit et il a dit: «Oh, tante Lindy, c'est ma couleur préférée. J'adore ce vert. ' Mais ce qu'il voulait vraiment me montrer était sous le lit, et il a sorti une gerbe de dessins; quelque 100 ou 200 dessins qu'il avait accumulés.

Lindy Lee, Condensations étranges (2020). Bronze jeté. Vue de l'exposition: Lune dans une goutte de rosée, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). Avec l'aimable autorisation de l'artiste, Sullivan + Strumpf, Sydney et Singapour et le Museum of Contemporary Art Australia, Sydney avec l'aide de UAP et © l'artiste. Photo: Anna Kucera.

Il a dit: «Tante Lindy, je ne les ai jamais montrées à personne, mais je veux être artiste. Je suis malade, mais j'avais besoin que tu le saches. À ce moment-là, j'ai compris que personne n'en parlait vraiment, mais Ben n'allait jamais se remettre de ce cancer.

Je savais en quelque sorte que mon travail consistait à m'assurer que Ben savait que quoi qu'il arrive, sa créativité, qui il était, lui était intrinsèque et que rien ne pourrait jamais la détruire, et que tant qu'il vivrait, nous célébrerions cela. Et nous l'avons fait.

Ben est mort. Puis plus tard, un de mes amis m'a envoyé un article dans Nouveau scientifique, et il s'agissait de la couleur de l'univers. La couleur de l'univers est le vert wasabi car c'est la couleur combinée de la mort d'une étoile et de la couleur d'une étoile en train de naître. Lorsque vous combinez ces couleurs, c'est ce vert.

Lorsque vous utilisez un matériau de toute sorte, comme une couleur, il commence à vous révéler sa signification.

Nous vivons consciemment dans notre corps, mais nous faisons en fait partie d'un corps plus grand – le corps du monde. L'intuition est vraiment une sorte de contact et de connexion sans intermédiaire avec cela. Les couleurs, telles qu'elles se sont accumulées, sont très intenses et, curieusement, quand je suis allé au Tibet, j'ai réalisé que ces couleurs que j'utilisais depuis plus de 20 ans étaient en fait les couleurs qui ornaient les temples bouddhistes.

Je n'ai aucune explication rationnelle, mais c'est comme ça.

Lindy Lee, Naissance et mort (2002). impression jet d'encre, encre, peinture polymère synthétique sur livre d'accordéon chinois. Vue de l'exposition:Lindy Lee: Lune dans une goutte de rosée, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). Art Gallery of New South Wales, don de l'artiste 2014. © l'artiste. Photo: Anna Kucera.

EAMJe suis arrivée en Australie pour la première fois en 1993 et ​​j'ai été très chanceuse qu'un de nos amis communs, Lyndal Jones, mette en place un itinéraire pour moi à Sydney qui m'a fait découvrir de nombreuses femmes artistes fantastiques. Votre visite en studio a été l'un des moments forts.

Je me souviens avoir regardé cette femme sino-australienne très forte qui travaillait sur ces photocopies de ces héros blancs et européens de l'art occidental du XVIIe siècle – ils étaient en fait l'antithèse même de ce à quoi vous ressembliez – et j'ai été très frappé par cette disjonction.

LLLa disjoncture est une très belle façon de le dire. Il y a quelque chose de bizarre dans ce visage chinois et moi en train de faire des photocopies de Rembrandt, Raphael et Artemisia Gentileschi, et cela résume en fait le genre de douleur et de crise d'identité que je traversais, parce que tout dans mon enfance, tout à mon horizon, était une référence à l'Occident.

J'avais besoin de trouver mon appartenance à l'intérieur. Et ce n'est que plus tard que j'ai réalisé que je ne pourrais jamais appartenir à ce sens. Et, bien sûr, cela ouvre la plus délicieuse boîte de Pandore pour un artiste, car la vie d'un artiste est une interrogation de soi dans le monde.

Lindy Lee, Vertu, ordre moral et discrétion du geste humain (1991). Huile, cire sur toile. Collection de la famille Mordant, Australie. © l'artiste. Photo: Jessica Maurer.

EAMJ'ai toujours été intéressé par les raisons pour lesquelles vous avez décidé d'être artiste, parce que vous n'êtes pas issu d'un milieu qui vous aurait immédiatement poussé dans cette direction. Cela me rappelle comment on vous a dit à l'école de façon stéréotypée qu'une fille asiatique devrait étudier les mathématiques. Vous souvenez-vous de ce qui vous a vraiment poussé à réfléchir à la manière de vous exprimer en tant qu'artiste?

LLJ'aime souvent blâmer mon professeur de mathématiques au lycée pour avoir fait de moi un artiste! Ce qui s'est passé, c'est que lorsque je lisais un roman d'amour sous le bureau en classe, Mme Palmer m'a attrapé et m'a traîné devant la classe et a dit: “ Chaque fille chinoise est bonne en maths, Lindy Lee. Pourquoi pas toi?

À ce moment-là, dans mon petit cœur, j'ai jeté le gant et j'ai dit: «Eh bien, cette petite chinoise ne sera pas douée en maths. Cela semble si simple, mais c'était vraiment très douloureux. J'ai échoué en maths. Je n'allais jamais être le médecin ou le pharmacien qui est la tradition de l'aspiration chinoise.

Lindy Lee, Le tombeau sans couture (portant un joug de fer sans trou) (2017). Impression jet d'encre, encre, feu. Collection privée, Sydney. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Museum of Contemporary Art Australia, Sydney. © l'artiste.

Enfant, je dessinais tout le temps et c'était ma façon de me connecter au monde. C'était ce langage visuel. Je me souviens de m'être allongé sur le ventre sur la véranda de Kangaroo Point à Brisbane. Le soleil filtrait et les particules de poussière flottaient – dans mon imagination d'enfance, c'était le cosmos; c'était magique. Je voulais être capable de dépeindre cette magie.

EAMComment vos parents ont-ils réagi au fait que vous vouliez être artiste, ou était-ce quelque chose que vous gardiez pour vous?

LLMes parents étaient trop occupés, je pense, à essayer de gagner leur vie. Ils voulaient que j'aille à l'université. Mon père voulait que je devienne pharmacien. De toute évidence, cela n'allait jamais arriver. Alors quand il était temps pour moi d'aller à l'université, j'ai menti. J'ai juste dit que j'allais à l'université. Ils ne m'ont même pas demandé ce que j'allais faire. J'allais être professeur d'art.

Lindy Lee, La longue route de la rivière des étoiles (2015). Impression jet d'encre pigmentée UV, acier doux noir, feu. 109,6 x 117,6 x 3,2 cm au total. National Gallery of Australia, acheté en 2018. Avec l'aimable autorisation de l'artiste.

Laissez-moi être franc. Pendant les premières années après avoir quitté le lycée, je savais que je voulais être artiste, mais je ne pensais pas vraiment pouvoir l'être. J'ai essayé de faire tout le reste, y compris l'enseignement de l'art, devenir graphiste, ce genre de métiers, qui sont très précieux, mais ce sont aussi les métiers traditionnels que font les femmes car à cet âge, être une femme créative n'est pas horizon.

Avec l'étude du Zen, la question de l'identité devient plus expansive.

Quoi qu'il en soit, pour répondre à votre question sur ce que mes parents en pensaient, ils ne savaient pas. J'ai juste menti. J'ai dit: «Je vais à l'université maintenant. De plus, parce que j'étais une fille, cela n'avait pas vraiment d'importance pour eux, car ils s'attendaient simplement à ce que je me marie et que j'aie des enfants.

Ils étaient heureux que j'aille à l'université. Ils n'étaient pas particulièrement préoccupés, vraiment, de ce que j'allais faire. Et donc je n'arrêtais pas de dire: «Je vais juste étudier». Mais ce que j'étudiais, c'était l'art.

Lindy Lee, Sacrement blanc (1985). Vue de l'exposition: Lindy Lee: Lune dans une goutte de rosée, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). National Gallery of Australia, don du Philip Morris Arts Grant 1988. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Museum of Contemporary Art Australia, Sydney, © l'artiste. Photo: Anna Kučera.

EAMIl n'y avait pas non plus beaucoup de modèles féminins. Dans votre appel de grands artistes européens, celle qui se démarque est Artemisia Gentileschi, car elle était l'une des rares artistes féminines travaillant à l'époque à avoir une visibilité. La double contrainte – être à la fois une femme et une australienne chinoise – a dû être assez difficile. C'était très dur.

LLL'une des seules personnes à mon horizon à cette époque était Betty Churchill, ce qui était incroyable. Elle a été ma première professeure d'histoire de l'art lorsque je suis allée au collège des professeurs. Elle était merveilleuse, mais ce n'était pas une artiste. Elle n'était donc pas une sorte de modèle, mais je suppose que c'était ma première rencontre avec une femme forte avec le pouvoir de la connaissance.

Et puis il y avait Davida Allen, qui était assez populaire, mais ils étaient les deux seuls. Et je ne les connaissais pas très bien, mais ils étaient les deux seuls à mon horizon. Donc, cela ne m'est jamais vraiment venu à l'esprit. Il n'a jamais été affirmé en moi qu'une femme pouvait devenir une telle chose en tant qu'artiste.

Lindy Lee, Le silence des peintres (1989). Musée d'art contemporain, don de Loti Smorgon AO et Victor Smorgon AC, 1995. Courtesy Museum of Contemporary Art.

Artemisia a été un moment époustouflant pour moi. Quand j'étais en Italie, je me suis imprégné de toutes les peintures les plus fabuleuses des époques Renaissance et baroque. J'étais dans la mentalité que bien sûr, ce sont tous des hommes. Et puis je regarde ce tableau, et c'était Judith tuant Holopherne (vers 1612-1613).

J'ai pensé: "Oh mon Dieu, c'est un tableau tellement violent et puissant." Et puis j'ai regardé l'étiquette et j'ai vu que c'était une femme qui l'avait fait. Et je n'en avais aucune idée. Heureusement, ces jours-ci, nous n'avons pas ce genre d'attitude. Mais j'étais au début de la vingtaine, aux prises avec l'idée de devenir artiste; lutter pour avoir le courage de le faire. Et il y avait cette magnifique peinture qui exprimait tant et si puissamment, et qui mettait quelque chose en moi, qui ne s'est pas arrêté.

Lindy Lee, Doctrine de la fleur d'or (2003). Impression jet d'encre, peinture polymère synthétique sur papier monté à bord; Feu et eau (2006). Peinture polymère synthétique, cire sur carton, encres d'archives sur papier photorag monté à bord. Collection des deux œuvres de l'Université du Queensland, don de Lindy Lee par le biais du programme de dons culturels du gouvernement australien, 2013. Vue de l'exposition: Lindy Lee: Lune dans une goutte de rosée, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). Avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Museum of Contemporary Art Australia, Sydney et © l'artiste. Photo: Anna Kucera.

EAMVous êtes donc revenu d'Europe, après vous être plongé dans les grandes œuvres d'art du passé, et vous avez assisté à une conférence sur l'art sino-australien. Je pense que vous avez eu un petit moment d'ampoule à propos de votre travail là-bas, en parlant de la question d'être un artiste sino-australien, n'est-ce pas?

LLCette conférence était vraiment intéressante. À ce stade, j'étais un très jeune artiste. Je venais de sortir de l'école d'art et j'avais commencé à faire ces photocopies de grands maîtres européens, et pour un certain nombre de raisons théoriques, ces œuvres étaient en quelque sorte considérées comme incarnant quelque chose de l'époque.

J'ai été invité à cette conférence, qui concernait la Chine et l'Australie. Je me souviens avoir pensé que je n'avais rien à apporter ici parce que je suis occidental. Ensuite, je suis monté sur ce podium et j'ai commencé à parler et je me suis retrouvé à dire ces mots comme: “ Je fais ces images, qui font référence au canon occidental, pour déclarer que je suis occidental, peu importe à quoi je ressemble. ''

Lindy Lee, Philosophie du Parvenu (1990). Photocopie, peinture polymère synthétique sur papier sur papier Stonehenge monté à bord. Collection de l'Université du Queensland, achetée en 2011. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et du musée d'art de l'Université du Queensland, © l'artiste. Photo: Carl Warner.

Au moment où ces mots sont sortis, j'ai réalisé que j'étais abasourdi par ma propre illusion et mon ignorance. Si vous devez déclarer que vous appartenez à ceci ou cela, alors vous n'appartenez pas, parce que dans l'appartenance, vous ne le remettez pas en question, c'est juste une partie intégrante du tissu de ce que vous êtes. L'idée même que j'interrogeais en fait signifiait qu'il y avait une question plus profonde.

J'adore ces moments d'existence qui vous giflent, car ils vous poussent à aller plus loin et à poser les questions les plus profondes.

Lindy Lee, Sans titre (d'après Jan van Eyck) (1985). Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Sullivan + Strumpf, Sydney et Singapour.

EAMDans ce processus de découverte, vous êtes également arrivé au bouddhisme, qui est devenu une force directrice dans votre vie et votre art et continue de l'être encore aujourd'hui.

Il me semble que le bouddhisme attendait presque que vous le découvriez – ce qui allait donner un sens à votre vie et à votre art. Pensez-vous que ce soit le cas?

LLC'était presque une sorte de moment de Damas, en termes de bouddhisme zen. J'avais commencé à être vaguement curieux de la philosophie bouddhiste, simplement parce que j'essayais de tendre la main dans un sens à mon ascendance. Et par curiosité et peut-être plus sincèrement par nécessité personnelle très profonde, que je ne devrais comprendre que plusieurs années plus tard.

J'ai fini par aller au Zen Center de Sydney un soir et je suis entré et la plupart d'entre moi ont été juste choqués. Il y avait un autel, une statue de Bouddha et les gens chantaient des sutras. Ils faisaient des prosternations.

Lindy Lee, Livre de Kuan-yin (2002). Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Sutton Gallery, Melbourne.

Je pensais: «Ce n'est pas moi. Je suis une femme de la fin du XXe siècle. Je ne fais pas ce genre de trucs rituels religieux. Et je me suis simplement dit: “ D'accord, je suis au mauvais endroit. '' Mais au moment où je me suis assis sur l'un des coussins de méditation, il y avait cette sensation écrasante de rentrer à la maison. C'était tellement bouleversant que j'avais envie de vomir, parce que c'était confronté à toutes les croyances que j'avais accumulées sur moi-même.

Si vous devez déclarer que vous appartenez à ceci ou cela, alors vous n'appartenez pas, parce qu'en appartenance, vous ne le remettez pas en question …

Au fur et à mesure que je commençais à étudier le Zen plus profondément, je me suis rendu compte que, dans le Zen, la question n'est pas seulement celle de l'identité, mais la nature de ce qui existe dans tous les phénomènes. Donc, ma nature n'est pas seulement mon identité; l'identité est un petit fragment de ce que je suis. Et dans la philosophie bouddhiste, vous êtes l'accumulation de toute l'histoire; de tout dans ce moment individuel.

Le titre du spectacle au MCA Australia, Lune dans une goutte de rosée, vient après Dōgen, qui est un philosophe japonais, et mon philosophe préféré de tous les temps. Dans sa phrase, la lune représente l'infini et aussi la mutabilité; changeabilité.

Lindy Lee, Conflagrations de la fin des temps (2011). Papier; Ouvert comme le ciel (2020). Miroir polibronze. Vue de l'exposition:Lindy Lee: Lune dans une goutte de rosée, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). Avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Museum of Contemporary Art Australia, Sydney, © l'artiste. Photo: Jessica Maurer.

Les cycles de la lune sont infinis, tandis qu'une goutte de rosée est finie – elle s'évaporera avec le soleil du matin. A l'image de la lune dans la goutte de rosée se trouve cette sensation merveilleusement poétique de l'infini dans le fini.

Avec l'étude du Zen, la question de l'identité devient plus expansive. Il s'agit de cette chose plus importante. Il s'agit plus du soi et du projet du soi, qui est sans fin. Nous grandissons tout le temps. Nous sommes tous différents de l'époque où nous avions trois ans.

Le projet d'identité consiste donc à essayer de décrire ce que vous êtes. Le projet du soi est l'acceptation et la curiosité de la façon dont le monde coule en vous et de la façon dont vous vous dirigez vers le monde pour créer ce moment.

Lindy Lee, Perdure (2012). Acier doux noir, feu. Collection privée, Sydney. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Roslyn Oxley9 Gallery, Sydney, © l'artiste.

EAMNous sommes maintenant passés à Covid-19. Vous et moi avons commencé à travailler sur cette émission il y a 18 mois, et nous n'aurions pas pu imaginer à quel point le monde serait différent. En regardant le spectacle maintenant, il me semble que les discussions dans votre travail autour du cosmos, que nous faisons partie d'un univers plus large, sont si emblématiques du moment.

Nous savons tous que l'une des choses que Covid-19 a causées est la rupture de notre relation avec l'univers et avec d'autres créatures, et en effet vos discussions autour de l'identité sont tellement liées au racisme croissant envers le peuple chinois en tant que soi-disant source. du virus, qui a été alimenté dans certains quartiers. Que pensez-vous de ces connexions, maintenant?

LLNous sommes dans des temps si curieux. Les gens sont très divisés et je pense qu'ils sont divisés en plusieurs catégories. Mais les deux catégories dont je voudrais parler sont ceux qui sont prêts à travailler ensemble, et ceux qui ne voient qu'une atteinte à leurs libertés personnelles.

Lindy Lee, Divinités au clair de lune (2019-2020). Vue de l'exposition: Lindy Lee: Lune dans une goutte de rosée, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 octobre 2020-28 février 2021). Avec l'aimable autorisation de l'artiste, Sutton Gallery, Melbourne et Museum of Contemporary Art Australia, Sydney et © l'artiste. Photo: Anna Kucera.

L'une des plus belles images de l'univers est le filet d'Indra. L'univers est comparé à ce filet infini et aux liens de chaque nœud du filet se trouve un bijou parfait et brillant et tout à fait unique, mais sa beauté, son éclat, son lustre et sa singularité dépendent totalement du fait qu'il reçoit la lumière de tous les autres joyaux de l'univers. C'est nous.

Aucun de nous ne peut exister seul. Nous devons tous nous rassembler, car nous faisons en fait partie du même tissu. Ce tissu est le cosmos, et ce que je veux dire par cosmos, c'est que c'est la longueur, la profondeur et l'ampleur de tout ce qui s'est passé, se passe et se produira dans le futur.

Nous ne pouvons pas nous en sortir. Et nous ne pouvons pas nous sortir de notre relation les uns avec les autres et avec tout ce qui existe dans le monde. Tout a causé l'existence de vous et moi. Et nous devons respecter cela.

Lindy Lee, La réalité avant le ciel et la terre (2019). Bronze jeté. 90 x 180 cm. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Sullivan + Strumpf.

La pandémie de Covid-19, dans un sens, est une période éprouvante. Cela nous met à l'épreuve pour nous rassembler, ce qui est l'une des meilleures choses d'être humain. Il y a un autre point, que je pense lié, mais peut-être un peu abstrait: la vie humaine est à la fois historique et non historique. Chacun de nous est historique en ce sens que tout ce qui s'est passé culmine à ce moment de l'existence de chaque corps.

Mais simultanément, nous ne sommes pas historiques. Ce moment n'est jamais arrivé auparavant et ne se reproduira plus jamais. Et c'est pour moi une manière très poétique, mais poignante et importante de valoriser la vie et l'existence, et aussi de souligner notre responsabilité de défendre cette valeur et ce respect.

Aucun de nous ne peut exister seul. Nous devons tous nous rassembler, car nous faisons en fait partie du même tissu.

La pandémie de Covid-19 n'est que cet exemple incroyablement extrême de cette scission sur la route, dirons-nous, que l'humanité peut parcourir. Cela peut aller vers cette réalité fondamentale que nous sommes tous connectés et que nous devons le faire ensemble. L'autre fourchette est à eux, et cela va tout simplement nous détruire.

Lindy Lee, Monde secret d'un Starlight Ember (2020). Acier inoxydable. Exhibition view: Lindy Lee: Moon in a Dew Drop, Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2 October 2020–28 February 2021). Courtesy the artist, Sutton Gallery, Melbourne and Museum of Contemporary Art Australia, Sydney and © the artist. Photo: Anna Kucera.

EAMOui. It was particularly poignant for you, living on one side of a border that's been closed, meaning you weren't able to see your mother on the other side of it. It is very sad to see these restrictions and attitudes towards retreating into ourselves, instead of reaching out.

I think it's causing all of us to think about how we operate and how we can continue to think about a different kind of world—thinking about how we can reach out and try and deal with some of these other issues that are arising.

Black Lives Matter is another very potent issue for all of us, as well as attitudes towards diversity of all kinds. This is something that we've been very concerned with here at the Museum over the years, in trying to make the Museum as open and diverse and inclusive as we can, and how much further we need to go with that—working almost against the isolationist tendencies within the Covid environment, where people are not coming together.

There aren't these opportunities, even in an office, to stop by and have a chat with someone who has a different opinion, or people are getting locked into their corners, as it were. I think your show is a very good moment for people to reflect on metaphor of the net of Indra, which is such a powerful one.

LLThe Covid-19 pandemic has also been a very emotional time for me. Not because of the isolation, because an artist needs isolation, actually, but because of racism, which is the one thing that will push my buttons and make me so extremely angry and volatile.

Lindy Lee, The Other Side, transcendent (2012). Stainless steel and fire. 210 x 100 x 1 cm. Courtesy Sullivan+Strumpf.

Day after day, I was watching the Black Lives Matter protests and hearing tales, especially from my friends in New York who are Chinese, of abuse. Then there's my niece, who's an emergency doctor—she doesn't need to receive this kind of abuse. It makes me so angry, I don't even know what to say about it.

In any troubling time, whether it's personal, social, or global, we have the opportunity and responsibility to grow with it and to seek the best of what's inside us and communicate. Of course, it's hard to be separated from family, because of border restrictions and everything, but it also means we have to try harder to really communicate. Maybe that's a silver lining.

Instead of taking things for granted, we have to invent ways. We have to refresh ourselves in the way we make relationships, so that becomes a conscious thing. We don't take it for granted at this time.

Lindy Lee, Full Negative (2012). Courtesy the artist and Sullivan+Strumpf, Sydney and Singapore.

EAMYour exhibition, if you don't mind me saying, acts like springboard for these kinds of conversations, but it is also a place of refuge. I think you're right—we do have to think of other ways, and that's why art is so important. For me, what makes a really great work of art is when it can elicit all these different levels of responses.

LLThe way I like to describe the importance of art is that when you encounter somebody, you could describe them endlessly, but that will never, ever, ever sum them up. We always exceed any description. And that is because there are 10,000 invisible things that are inside of us that make us who we are. The importance of art is that it brings this invisibility into life, into materiality, so that we can look at it.

So art has an extraordinary job. It allows us to reflect on who and what we are, how we're connected to the world, and these are largely invisible things. We have to be able to reflect on what we are.—(O)


L’histoire du bracelet bouddhiste remonte à approximativement 3.000 ans. Il est lié à la naissance de nombreux courants spirituels comme le bouddhisme et l’hindouisme. En effet, il s’agit d’un objet à usage spirituel. On l’utilisait durant les séances de prières et de méditation.
Pour ce qui est de l’origine du bracelet, il est difficile de proposer des inhabituelle précises. Mais il s’avère qu’il provient de l’Inde. Selon la tradition, il sera composé de 108 perles. Mais n’est plus respectée parmi fabricants.
Le bracelet bouddhiste en bois est l’allure d’une rosaire, un chapelet formé selon 150 grains. En somme, il ressemble à une sorte de guirlande de bref billes. Bijou spirituel, le bracelet bouddhiste en bois reste un symbole du bouddhisme.
En effet, le bracelet est de plus en plus court actuellement. Il compte entre 10 et 20 perles. Notons que le bijou est fait avec des matières naturelles. Certains modèles sont en bois de santal, d’autres sont en pierre de différentes couleurs. Le bijou comporte aussi une talisman et un fermoir conique.
Autrefois, le bracelet était porté pour chasser mauvais conscience et infortunes. Dans les années 50, on l’utilisait en qu’ornements pendant périodes festives.
Dans le de diffusion de ce religion, ce bracelet bouddhiste est connu des modifications afin de devenir un accessoire en or goût de tous. Ainsi, des formes plus simples et plus sophistiquées ont vu le jour. Il s’agit en revanche du bracelet shamballa et du bracelet Reiki à 7 chakras .

Les parure et perles ont beaucoup d’importance dans la culture bouddhiste. Ils sont utilisés pour prier, parcourir des mantras et effectuer des rituels.
Ils sont couramment composés de pierres naturelles, des pierres semi-précieuses possédant une énergie positive. On retrouver la pierre semi précieuse de :
• Amazonite
• Obsidienne
• Quartz rose
• Labradorite
• Cristal
• Quartz
• Turquoise
• Lapis lazuli
• Oeil de tigre
• Lazuli
• Améthyste
Porté autour du poignet, embellissement bouddhistes vont avoir des lithothérapie et spirtituelles sur certaine partie du corps.
De plus, ces bracelets et perles portent des inattendue importantes, le message pour parfaits les personnes qui apprécient de la doctrine bouddhiste.

Le bracelet est une version plus concis des perles normales qui a la même signification et transmet le même message.

Le bracelet n’est pas seulement un accessoire fantaisiste, par contre aussi un symbole de la foi.

Le rabais d’un bracelet tibétain varie selon le fournisseur auprès duquel vous vous approvisionnez. Vu leur grande valeur, le coût bien s’élever à des milliers d’euros. Vous avez même la possibilité de caractériser votre bracelet tibétain.

En effet, les fioriture bouddha sont de vrais,réels,grands fontaine de bien-être. Si vous devez causer en public par exemple, il assez de soutenir un bijou en calcédoine au poignet.
Cela vous permet d’obtenir de s’offrir de s’approprier une bonne élocution et d’éviter le bégaiement. En revanche, un modèle en chrysocolle fera en sorte de garder la « tête froide ».

Plus qu’un phénomène de mode, le bijou tibétain est un phénomène instructif au Tibet et or Népal, et globalement dans terminés pays asiatiques duquel la culture est tout tournée vers la spiritualité.
Les femme tibétaines et népalaises attachent une grande importance à leur apparence, se parant ainsi de bijoux ornés de pierres naturelles ou bien de symboles spirituels forts, tels les signes auspicieux ou mantras bouddhistes (souvent deux).